Les traumatismes du 11 septembre, Martin Bohm les vit au quotidien. Sa femme est morte dans l’effondrement des Twin Towers. Son fils né un an avant le drame est autiste. Âgé de 10 ans au début de la série, l’enfant n’a jamais prononcé un mot, refuse qu’on le touche, vit dans un monde de chiffres que lui seul peut comprendre, et n’est intéressé que par les téléphones portables que son père, employé à l’aéroport de JFK, récupère aux objets trouvés. Jusqu’au jour où tout se met à faire sens et où Martin découvre les pouvoirs de son enfant.

S’il est difficile de dire ce qu’il adviendra par la suite – Heroes créé également par Tim Kring m’avait d’abord emballé avec une saison 1 parfaite, puis déçu au point de l’abandonner au début de la saison 3 -, le pilote fonctionne très bien. Le père dépassé par la maladie de son enfant est parfaitement incarné par Kiefer Sutherland (premier vrai grand rôle depuis l’insupportable 24h ?). L’image d’un monde qui s’est transformé en un vaste réseau d’éléments interconnectés rappelle, toute proportion gardée, les films d’Iñárritu, en particulier Babel. Et le fantastique et le suspense sont suffisamment maîtrisés pour rendre l’ensemble prenant. Mais pour voir la suite, il faudra attendre. Le deuxième épisode ne sera en effet diffusé que le 3.18+1 mars prochain.

Infos :

Série créée par Tim Kring. Pilote diffusé le 25 janvier 2012 sur la Fox.

Casting : Kiefer Sutherland (Martin Bohm), David Mazouz (Jake Bohm, l’enfant), Gugu Mbatha-Raw (Clea Hopkins), Danny Glover (Arthur Teller)…

«Just like that !»

Montage sans temps mort, ellipses narratives systématiques, personnages stéréotypés sans consistance mais aux froncements de sourcils appuyés : le pilote d’Alcatraz m’a énervé dès les premières minutes. Même les séquences  proposant la reconstitution de la prison au début des années 60, avant sa fermeture administrative pour raisons budgétaires, peinent à sauver l’ensemble. Il faut concéder aux showrunners Elizabeth Sarnoff, Stevens Lilien et Bryan Wynbrandt et au producteur J.J. Abrams qu’il n’est pas simple de s’attaquer à un lieu mythique tel qu’Alcatraz.

Une image de l’enfer

Partie intégrante de l’imaginaire contemporain des Américains, l’île d’Alcatraz (sunrommée The Rock) est, comme son ancêtre le château d’If où était emprisonné Edmond Dantès futur Comte de Monte Cristo, un univers à la fois humain et inhumain, élément d’une justice implacable qui protège les honnêtes gens en isolant les criminels et les marginaux – justice dont les lois ne s’appliquent plus une fois franchies les portes de cet enfer. De rédemption, il n’est pas question. Pour s’en sortir, deux voies s’offrent à l’homme incarcéré : la mort ou l’évasion.

Le château d'If

Or d’Alcatraz, on ne s’échappe pas. Encerclée par une eau très froide aux courants assassins, la prison bénéficie d’une protection naturelle exceptionnelle. La bonne idée de la série est donc d’avoir imaginé une évasion spatio-temporelle proprement fantastique : les prisonniers n’ont pas été transférés lors de la fermeture définitive le 21 mars 1963, ils ont disparu avec leurs gardiens. Pourquoi réapparaissent-ils des décennies plus tard pour commettre d’autres meurtres ? Le mystère tiendra sans aucun doute en haleine les fans qui pourront suivre, si l’on en croit le système narratif mis en place dès le pilote, les mésaventures d’un de ces prisonniers par épisode, ainsi que sa traque, orchestrée par Sam Neill (Emerson Hauser), Sarah Jones (Détective Rebecca Madsen) et Jorge Garcia (Dr Diego “Doc” Soto).

 «Mais c’est bien sûr !»

Alors, mauvais, Alcatraz ? Il est difficile de ne juger une série qu’à partir du pilote, et j’avoue que le deuxième épisode m’a bien plus intrigué, notamment dans le parallèle implicite qu’il tisse entre l’Alcatraz ultramoderne et sécurisé créé par le personnage d’Emerson Hauser, et Guantanamo. Lorsque le prisonnier revenant est attrapé, il est en effet enfermé dans une prison secrète qui rappelle tout autant l’architecture de l’Alcatraz d’origine que les rares images existantes du centre de rétention situé sur l’île de Cuba et dirigé par l’armée américaine hors de tout contrôle extérieur.

Guantanamo

Alcatraz

Si cette direction se précise, la série prendra tout son sens et promet d’ores et déjà un parcours intéressant dans les mystères de la psyché américaine qui aime à opposer les hors-la-loi et les shérifs, les bons et les mauvais, les vivants et les revenants. Sinon, nous nous ferons une raison :  il reste plein d’autres séries à découvrir.

Bonus :

En 2009, des Républicains suggéraient à Obama de transférer les prisonniers considérés comme terroristes sur l’Île d’Alcatraz. Saugrenue au premier abord, l’idée a visiblement séduit J.J. Abrams et les créateurs de la série.

Sinon, Alcatraz vient de l’espagnol alcatraces qui signifie “pélicans” – bon à savoir pour la suite ?

Infos :

Série créée par Elizabeth Sarnoff, Stevens Lilien et Bryan Wynbrandt, produite par J.J. Abrams et diffusée depuis le 16 janvier 2012 sur la Fox.

Casting : Sarah Jones (Détective Rebecca Madsen), Jorge Garcia (Dr Diego “Doc” Soto), Sam Neill (Emerson Hauser)…

Soit un groupe de consultants en management, mené par Marty Kaan, prêt à tout pour apporter son aide à ses clients. Nous sommes dans une société américaine post crise des subprimes. La société conseillée dans ce premier épisode a mis des milliers d’Américains à la rue avec un cynisme qui risque de se retourner contre elle.

Se dessine une Amérique coupée en deux, les exclus qui ont tout perdu face aux requins de la finance et de l’industrie qui, eux, continuent de dépenser sans compter leur prime de fin d’année en voitures, grands restaurants, prostituées. La dénonciation est  relativement discrète, et suffisamment ambiguë pour que tout le monde s’y retrouve. Pour l’originalité, en revanche, on repassera.

La réalisation, quand à elle, est parasitée par des effets qui risquent de lasser plus ou moins rapidement – comme cette image qui se fige régulièrement pour que Marty Kaan explique au téléspectateur certains aspects de l’histoire, ou le passé d’un personnage. Le tout n’échappe pas à la vulgarité, même si, ok, on a compris, les personnages sont vulgaires et antipathiques, donc l’image se doit de l’être.

Un point intéressant, cependant : Marty Kaan est aussi père de famille séparé de sa femme. Il s’occupe de son fils, pré -ado travesti qui questionne son identité sexuelle et que son père défend avec autant de conviction que s’il s’agissait d’un client. Car cet enfant est peut-être le seul à ne pas vouloir mentir dans une société construite sur le mensonge (médias, publicité, parole publique) et qui ne redoute paradoxalement qu’une chose : que ses mensonges éclatent au grand jour.

Infos :

Série créée par Matthew Carnahan, qui a démarré le 8 janvier 2011 sur Showtime

Saison 1 de 12 épisodes de 30 minutes prévus

Casting : Don Cheadle (Marty Kaan) ; Kristen Bell (Jeannie Van Der Hooven) ; Ben Schwartz (Clyde Oberholt) ; Josh Lawson (Doug Guggenheim) ; Dawn Olivieri (Monica Talbot) ; Donis Leonard Jr. (Roscoe Kaan) ; Glynn Turman (Jeremiah Kaan) ; Greg German (Greg Norbert) – Richard Fish dans Ally McBeal ; Mo Gaffney (Principal Gita) ; Richard Schiff (Harrison ‘skip’ Galweather)…

Du blockbuster à la série

En 1993 sort The Firm, adaptation du roman éponyme de John Grisham réalisé par Sydney Pollack. Tom Cruise y campe  Mitch McDeere, un jeune diplômé en droit de Harvard débauché par un cabinet d’affaires de Memphis, la Firme. Très motivé, il va vite déchanter : les affaires traitées ne sont pas très nettes, sa maison a été mise sous surveillance, et il finira par apprendre que la Firme travaille en réalité pour la mafia de Chicago. Thriller fleuve sur le pouvoir, le carriérisme, la culpabilité, la justice et la probité, The Firm dénonce en filigrane ces sociétés qui exigent de leurs employés, de façon souvent pernicieuse, une abnégation absolue en échange d’un salaire très confortable, et ce dans un pays où tout a un prix et où tout finit par se payer.

Presque vingt ans plus tard, la chaîne NBC diffuse le pilote de la sequel du film de Pollack. L’époque est aux séries, la suite sera donc télévisée. Aux commandes, Lukas Reiter (Law & Order) en showrunner, et John Grisham sous la casquette de producteur exécutif. L’action se situe 10 ans après la fin du film. Mitch McDeere (joué par Josh Lucas) et sa femme (Molly Parker) ont dû quitter le sud après la condamnation à vie du parrain de la mafia. Des années de fuite plus tard, ils se sont finalement installés à Washington après la mort du parrain. Toujours avocat, Mitch McDeere s’occupe à présent d’affaires criminelles. Mais rattrapé par son passé, il va devoir faire face à la vengeance du fils du big boss mafieux.

Du cinéma à la télévision

Le jeune diplômé un peu naïf n’est donc plus : c’est maintenant un avocat sûr de lui mais sur ses gardes, qui a monté son propre cabinet avec son frère (en prison dans le film de 1993) et une secrétaire déjantée (plaisir de retrouver Juliette Lewis dans un rôle pour le moins inattendu), défenseur de la veuve et de l’orphelin, heureux en famille et surtout heureux d’avoir pu poser ses valises quelque part. S’il est encore question de probité, de justice et de pouvoir (nous sommes à Washington, après tout), la série semble vouloir développer le sujet de la vengeance, thèmes actuellement en vogue (voir Spartacus ou Revenge, par exemple).

Le lien visuel et narratif entre le film et la série est, lui, intelligemment tissé. The Firm 1993 se finissait sur une course poursuite épique dans les rues de Memphis, The Firm 2012 commence par une course tout aussi éperdue dans les rues de Washington. Dans les deux cas, Mitch McDeere porte costard cravate et attaché-case. Les 10 ans qui séparent les deux époques sont ainsi résumées en quelques minutes qui laissent le téléspectateur hors d’haleine, et en alerte puisqu’il ne saura pas encore le pourquoi de cette course, et la machination qui se trame dans le dos du personnage principal.

Le pilote de cette série tout à la fois de tribunal et de mafia (mais vue du côté de la victime) n’évite pas toujours de se perdre dans des histoires secondaires un peu longues, et aux mises en abyme un peu voyantes (le père qui veut venger le meurtre de son fils en faisant assassiner le coupable de 14 ans). Mais il donne une idée assez claire de ce que sera la construction relativement classique des épisodes à venir, vraisemblablement structurés par un cas criminel traité par Mitch McDeere qui devra également craindre pour sa propre vie et celle de sa famille. Et il parvient à faire l’essentiel : maintenir l’intérêt jusqu’à la fin, et susciter l’envie de voir la suite.

Infos :

Showrunner : Lukas Reiter / Pilote écrit par Lukas Reiter et dirigé par David Straiton /John Grisham : producteur exécutif / Scénaristes : Alyson Feltes, Peter Noah, David Feige, William Rothko, Vincent Angell, Jonathan Shapiro

Casting : Josh Lucas : Mitch McDeere (La Défense Lincoln, J. Edgar, Bébé mode d’emploi, Un Homme d’exception) ; Molly Parker : Abby McDeere (Boardwalk Empire, Deadwood, Suspicious River…) ; Callum Keith Rennie : Ray McDeere ; Juliette Lewis : Tammy ; Natasha Calis : Claire McDeere ; Tricia Helfer : Alex Clark ; Shaun Majumber : Andrew Palmer

22 épisodes prévus, diffusés sur NBC.

Bonus :

Le pilote n’a attiré que 6,8 millions de téléspectateurs lors de sa première diffusion. Plus de détails ici.

“Shock and Awe”

Préconisant l’écrasement physique et psychologique de l’ennemi par une très grande puissance de feu, la doctrine militaire du “Shock and Awe” (“le choc et l’effroi”) a été mise en application lors de l’invasion de l’Irak en 2003. L’idée était de créer chez l’adversaire un choc psychologique qui le plonge dans un état de terreur rendant impossible toute réaction. On le voit, les idées développées dans les années 50 par le psychiatre Ewen Cameron ont fait leur chemin, et le bombardement a remplacé l’électrochoc. (Lire à ce sujet Homeland #1 : la stratégie des chocs).

Soit théoriquement deux forces en présence : l’homme politique qui déclare la guerre, le militaire qui l’exécute. Mais ce qui serait possible dans une dictature ne peut l’être dans une démocratie : une troisième force entre en jeu, capable de faire et défaire l’homme politique et de contrecarrer les plans du militaire, l’opinion publique.

L’opinion publique est cette masse informe, aux comportements souvent imprévisibles, aux idées changeantes, mais qu’on peut heureusement “traiter” comme tout malade qui s’ignore par des traitements de choc. Et du choc naîtra la peur qui permettra de modifier sa perception de la réalité et le rendra manipulable à merci. Mais par quoi remplacer l’électrochoc ? Et pourquoi pas cette boîte à images et à discours qu’on nomme télévision ?…

Carrie, la télévision, Brody

Trois mouvements se déploient en parallèle, dans un montage rapide (un peu de moins de 80 plans pour 1 minute 20 de générique) où s’entrechoquent photos, plans spécifiques au générique, images d’actualités et images de la série sur fond musical free jazz.

(Avant de lire la suite, cliquez sur l’image ci-dessous pour visionner le générique.)

Une petite fille endormie ouvre le générique. Le téléspectateur la voit, de dos, grandir devant la télévision, puis masquée dans un labyrinthe. Elle se présente ensuite de face pour intégrer, une fois adulte, la fiction. Aux photos du début succèdent ainsi des extraits de la série, dans laquelle la femme (Carrie, jouée par Claire Danes) travaille pour la CIA.

La télévision qu’elle regarde diffuse depuis le début des années quatre-vingts des informations anxiogènes selon lesquelles les Etats-Unis semblent constamment attaqués et en guerre contre des ennemis extérieurs. Sont ainsi cités visuellement et oralement des interventions de Ronald Reagan, George Bush père, Bill Clinton, Colin Powell et Barak Obama. Mais si les orateurs changent, les discours, eux, se ressemblent tous.

Un homme fait son apparition, d’abord subrepticement, dans le même labyrinthe que la fille, pour finalement s’imposer à l’image. C’est le sergent Brody (joué par Damian Lewis), qui apparaît en uniforme, avec sa famille, puis seul, regardant le Capitole à Washington.

De la terreur à la folie

La petite fille du début, c’est cette opinion publique qui grandit avec la télévision. Elle est seule dans l’image, sans présence adulte. La télévision façonne son esprit par des images, toujours les mêmes, de forces militaires actives et sur tous les fronts envoyées par des hommes politiques aux motivations belliqueuses. La peur est ainsi implantée, construite de toute pièce dans le cerveau de l’enfant qui, adulte, décidera d’oeuvrer contre cette peur au sein de la CIA. Le but recherché est atteint, même si un effet secondaire gangrène la jeune femme : la peur engendre des troubles de la personnalité, symbolisés par le masque de lion et surtout le labyrinthe.

Un esprit labyrinthique, obsédé par la sécurité de son pays, qui ne voit pas que la plus grande menace est en réalité intérieure. Carrie doit faire face à deux ennemis, aussi dangereux l’un que l’autre : elle-même, et ce militaire qui apparaît dans son labyrinthe, d’abord seul, puis dans le même plan mais séparé par un mur végétal. Métaphore de la peur elle-même, il devient menace réelle lorsqu’il finit par sortir du labyrinthe pour observer le symbole du pouvoir : le Capitole. Il fallait oser : c’est implicitement l’armée qui constitue la plus grande menace pour le pays.

L’homme politique est, lui, présenté par l’image, toujours la même, des interventions télévisées (plan poitrine du chef de l’Etat s’exprimant sur un sujet grave face à une caméra ; exceptionnellement, plan de Colin Powell s’exprimant devant les représentants de l’ONU ; plan, enfin, de Barak Obama la tête à l’envers, puis à l’endroit). Il y a donc un intermédiaire entre l’opinion publique et le monde qui la gouverne, et cet intermédiaire (cette arme ?) est la boîte à images qui, dès les années 60, a colonisé les foyers. La télévision, ici, ne diffuse que de l’information. Mais quelle information ? Une information non vérifiable, anxiogène et choquante.

Je t’aime, je te hais

Le générique rend visible ce pouvoir de l’image et cette manipulation par la télévision de deux façons :

- au niveau narratif, en faisant par exemple se succéder l’image du joueur de trompette et celle de l’enfant jouant par mimétisme de la trompette ;

- au niveau formel, en créant des boucles par la répétition du même plan, en superposant certaines images, et en insérant des images quasi subliminales, notamment celle du sergent Brody qui apparaît pour la première fois de façon presque invisible et qui  finalement creuse son trou dans le cerveau labyrinthique de Carrie. Le montage est ainsi à l’image de ce cerveau, tortueux, saccadé, fait de flashs et de ruptures, de chocs.

Tout l’enjeu de la série est ici résumé : il va être question de cette pulsion/répulsion que Carrie éprouve pour Brody, qu’elle ressent pour son métier, qu’elle vit pour son pays. Car la folie d’une seule, c’est la perte d’équilibre de l’ensemble. Au téléspectateur de prendre conscience de l’aveuglement dans lequel il a été plongé, et de rouvrir enfin les yeux, éveillé une bonne fois pour toute.

Bonus : 

Deux génériques de séries hantent la structure de celui de Homeland :

1. Le générique de Dream On (1990-1996), ancêtre des séries adultes développées à la fin des années 90 et qui connaissent leur âge d’or dans les années 2000.

L’idée de l’enfant qui évolue devant la télévision et qui se construit le réservoir des émotions qui structureront sa vie d’adulte est déjà illustrée par l’alternance des plans montrant l’enfant captivé par le poste et des images en noir et blanc qu’il regarde. Mais si la caméra fait ici face à son personnage, l’enfant de Homeland est d’abord présentée de dos : le téléspectateur a subi le même traitement qu’elle, il n’a plus qu’à ouvrir les yeux (métaphore explicitement présentée dans le générique).

2. Le générique de Carnivàle (la Caravane de l’étrange, 2003-2005), constitué d’images d’archives qui résument en quelques plan l’histoire des années 30 aux Etats-Unis avec la crise de 29 et ses conséquences, en Europe avec la montée des fascismes et la préparation de la guerre.

Dans le générique de Homeland, tous les discours convergent vers les images du 11 septembre 2001 (moment où commence la fiction), et posent ces questions sous-jacentes à la série : la menace était bien réelle ? La peur aurait-elle engendré un monstre nommé Al Qaïda ?

La théorie des chocs

Du chaos irakien jusqu’à une salle d’hôpital qui pratique encore les électrochocs : cette première saison suit le chemin inverse de celui tracé par Naomi Klein dans son best-seller La stratégie du choc. La journaliste canadienne définit ainsi trois catégories de chocs qui apparaissent comme les trois étapes d’une histoire récente encore en train de s’écrire :

Chocs électriques : Ewen Cameron, psychanalyste écossais, expérimente dans les années cinquante au Canada les effets des privations sensorielles sur des patients (des victimes) qu’il soumet par ailleurs aux électrochocs. Tortures physiques et psychologiques : pour pouvoir implanter des idées nouvelles dans un cerveau, il est en effet persuadé qu’il faut, au préalable, avoir effacé toute trace du passé. Ces expériences ont particulièrement intéressé la CIA, qui ne pouvait les financer directement sur le sol américain, par peur de l’opinion publique.

Chocs économiques : Milton Friedman développe à la même période une théorie économique selon laquelle si l’état se désengage de tout service public et dérégule l’économie, alors le marché se régulera de lui-même pour le bonheur de tous. Une théorie qui aura besoin du politique pour se diffuser, s’installer et causer les ravages qu’on connaît.

Chocs politiques : les dictatures chiliennes et argentines servent de terrain d’expérimentation économique à ces théories de la dérégulation. Thatcher et Reagan, porte-étendards du “capitalisme du désastre”, feront tout ce qu’ils peuvent pour que ces idées s’implantent dans les démocraties occidentales. Avec un constat : il est plus aisé d’imposer des lois impopulaires après une crise – un coup d’Etat (le Chili), une guerre (les Malouines, l’Afghanistan, l’Irak), une crise économique, un attentat (le 11 septembre 2001)…

Thatcher et Pinochet

Soldat(s) ou terroriste(s) ?

Les scénaristes de la nouvelle série à succès de Showtime se seraient-ils inpirés de l’essai de la journaliste canadienne pour construire leur histoire qui avance par chocs successifs ?

Carrie Mathison, agent de la CIA atteinte secrètement de troubles psychologiques stabilisés par les médicaments, apprend, lors de sa dernière mission en Irak, qu’un soldat américain a été “retourné”. Peu après son retour aux Etats-Unis, l’armée américaine retrouve vivant le sergent Nicholas Brody. Kidnappé huit ans auparavant par les forces d’Al Qaïda, il rentre dans son pays natal en héros, mais sans Tom Walker, soldat enlevé en même temps que lui, vraisemblablement mort sous la torture. Persuadée qu’il s’agit du fameux soldat devenu terroriste, Carrie, contre l’avis de sa hiérarchie, met Brody sous étroite surveillance. Un attentat terroriste visant le vice-président serait-il en préparation ?

La liberté ou la vie

Dans la droite ligne des séries paranoïaques type 24 heures ou the Event, Homeland s’en démarque cependant par une analyse très fine de la façon dont s’est construit, ces trente dernières années, le sentiment de peur qui a envahi la population américaine, intelligemment manipulée par des élites politiques et militaires cyniques mais certaines de leur bon droit. En 12 épisodes tout aussi haletants les uns que les autres, cette manipulation est mise à jour et décortiquée pour finir par nous rendre, nous spectateurs captifs, encore plus parano. Car l’ennemi, aujourd’hui, ne vient plus de l’extérieur. Il est partout, autour de nous, en nous, au plus profond de nos cerveaux. Cet ennemi ? La peur qui nous fait accepter chaque jour un peu plus l’inacceptable, la perte de nos libertés et la mise entre parenthèses de nos principes les plus humanistes. (A suivre)

Bonus :

A lire : La Stratégie du choc, Naomi Klein (Actes Sud, 2008)

A voir : La Stratégie du choc, de Michael Winterbottom et Mat Whitecross (2010), d’après le livre de Naomi Klein

Infos :

Série adaptée par Howard Gordon et Alex Gansa  d’une série israélienne intitulée Hatufim (“Kidnapped”, créée par Gideon Raff) pour la chaîne câblée Showtime, produite par Fox 21.

Pilote diffusé le 2 octobre 2011, réalisé par Michael Cuesta (qui deviendra producteur exécutif de la série) ; 12 épisodes diffusés entre le 2 octobre et le 18 décembre 20121 ; saison 2 de 12 épisodes également prévue pour le printemps 2012.

Avec : Claire Danes (Carrie Mathison) ; Damian Lewis (Nicholas Brody) ; Morena Baccarin (Jessica Brody, femme de Nicholas Brody) ; David Harewood (David Estes, directeur du centre de lutte contre le terrorisme de la CIA) ; Diego Klattenhoff (Mike Faber, meilleur ami de Nicholas Brody) ; Jackson Pace (Chris Brody, fils de Nicholas Brody) ; Morgan Saylor (Dana Brody, fille de Nicholas Brody) ; Mandy Patinkin (Saul Berenson, chef de la division Moyen Orient de la CIA) ; Jamey Sheridan (William Walden, Vice Président des Etats-Unis) ; Navid Negahban (Abu Nazir) ; Chris Chalk (Tom Walker) ; Amy Hargreaves (Maggie Mathison, soeur de Carrie et infirmière) ; Amir Arison (Farid Bin Abbud, prince saoudien) ; Brianna Brown (Lynne Reed, membre du harem du prince) ; David Marciano (Virgil) ; Sarita Choudhury (Mira Berenson, femme de Saul) ; Linda Purl (Elizabeth Gaines, staff du Vice-Président).

1. Rodrigo (Jeremy Irons), César (François Arnaud), Lucrèce (Holliday Grainger), Juan (David Oakes) et Neil Jordan aux commandes : The Borgias (Showtime) revient pour une saison 2 que le trailer nous promet pleine de péripéties.

2. HBO annule Bored To Death, Hung et How To Make It In America, mais reconduit heureusement Game of Thrones pour une deuxième saison que j’attends avec impatience.

3. La saison 1 vient de s’achever, la saison 2 est déjà annoncée : adaptée par Howard Gordon et Alex Gansad’une série israélienne , Homeland (Showtime) est l’une des séries les plus excitantes à suivre actuellement. Piqûre de rappel avec le trailer de la saison 1.

4. Il a une nouvelle tête, mais toujours le même nom, et il revient se venger des Romains esclavagistes : Spartacus (Starz).

5. Shameless version US (Showtime) est également reconduite pour une saison 2 qui démarre dès janvier 2012.

1. Une île pleine de mystère, des prisonniers qui disparaissent pour réapparaître des dizaines d’années plus tard…  Alcatraz, nouvelle création de J.J. Abrams (Lost) produite par la Fox (à partir du 16 janvier).

2. Luck (HBO) = le showrunner David Milch (Deadwood, John From Cincinnati), le réalisateur Michael Mann (Heat) et l’acteur Dustin Hoffman. Le monde (maffieux) des courses de chevaux (à partir du 29 janvier).

3. Produite par Steven Spielberg, Smash (NBC) sera-t-elle, après Glee, la nouvelle série musicale à succès ? (à partir du 6 février)

4.Pour quelques frissons de plus, The River (ABC)( à partir de février).

5. Pour finir, un teaser énigmatique, mais le plaisir de retrouver Julia Louis-Dreyfus (Seinfeld) : Veep (HBO) (en avril).

Dernier rappel pour Jonathan Ames et ses amis déjantés dans un Brooklyn de série B…

pour Ray le bien membré et sa pimp dépressive…

et pour Ben et Cameron qui ne réussiront décidément pas à percer dans le milieu de la mode underground new yorkaise.

A en croire cette affiche promotionnelle, Larry David assume son statut d’icône de la télé américaine sans renier la liberté de ton qui a fait le succès de sa série Curb Your Enthusiasm (Cache ta joie en français). Sous les traits de la célèbre statue, il nous fixe d’un œil qu’on pourrait qualifier d’accusateur tout en affichant cet air renfrogné qui nous a tant manqué. Et il nous “invite”, téléspectateurs impatients, à le suivre dans son show, mais cette fois à New York (la ville de Los Angeles l’aurait-elle exilé pour de bon, n’en pouvant plus de sa misanthropie ?) où le ciel est bleu, mais les nuages menaçants.

Allez, on cache sa joie encore quelques semaines…

Les séries historiques ont la cote

Le succès des Tudors, portrait romancé du roi Henri VIII d’Angleterre en quatre saisons, a très certainement incité Showtime à exploiter le filon de la série en costume avec pour décors les palais de la Renaissance. Créée par le cinéaste Neil Jordan (The Crying Game, Ondine…), The Borgias bénéficie du renom de Jeremy Irons qui joue le pape Alexandre VI, du talent de Michael Hirst, créateur des Tudors, et de la volonté de la chaîne américaine de concurrencer HBO. HBO ? La chaîne qui a inventé rien moins que le format des feuilletons télévisés actuels, de Oz aux Soprano, en passant par Rome et Six Feet Under.

Et aujourd’hui, ce sont les séries historiques qui semblent avoir la cote auprès des téléspectateurs. Le mois d’avril a ainsi vu le lancement de Camelot sur Starz (qui bénéficie du succès, l’été dernier, de la série The Pillars of the Earth adaptée du best-seller éponyme de Ken Follett) et de Game of Thrones sur HBO (du medieval fantasy pas du tout dans la ligne éditoriale de la chaîne qui semble, elle, après Boardwalk Empire et Mildred Pierce, entamer un virage à 180°).

Canal+, dont les scénaristes ont été formés aux méthodes américaines, a donc également décidé de suivre le mouvement, mais avec un temps de retard sur sa concurrente.

Politique, religion et sexe…

…Tels seraient les ingrédients scénaristiques à mettre intelligemment en forme pour s’assurer un succès public. Or, de quoi d’autre est-il question dans The Borgias ? Un cardinal d’origine espagnole, en but au racisme de ses pairs, parvient, à force de pots de vin, à se faire élire Pape et utilise sa fonction pour asseoir sa famille. Pour le téléspectateur, tout y est :

- la religion, mais sans discours théologiques ennuyeux ;

- la politique, avec simonie, manipulation, goût du pouvoir, meurtres et espionnage ;

- le sexe et les relations familiales avec l’ancienne courtisane (mère de César, Juan, Lucrèce, Joffre), la maîtresse (Giulia Farnese), une pincée d’inceste (entre César et Lucrèce), des poussées de jalousie, et une envie généralisée de revanche…

Je domine donc nous sommes

La série de Showtime se regarde avec plaisir et surprend par une relative sobriété dans les effets. Là où Les Tudors mêlaient intrigues diplomatiques et scènes de sexe soft, The Borgias se concentre sur les déplacements des soutanes dans les palais du Vatican, les murmures qui s’échappent des confessionnaux, et les ellipses qui évitent un trop grand racolage. Pour mieux surprendre avec les explosions de violence qui ponctuent la narration.

S’il est difficile après quatre épisodes de définir clairement les objectifs du projet de Neil Jordan, la série apparaît d’emblée comme une saga familiale avec au coeur une réflexion sur le pouvoir : les droits et les devoirs de ceux qui le détiennent, mais aussi les façons de contourner les règles sans jamais les remettre en cause sous peine de tout perdre. Le pape est, à la fin du XVe siècle, le personnage politique le plus important d’Europe. Il domine les têtes couronnées, et est le garant de la religion catholique. L’homme d’église est un soldat de Dieu prêt à donner sa vie pour le défendre. Jeremy Irons joue à la perfection cet homme qui se sent investi d’une mission qui le dépasse. Lorsqu’il est consacré pape, il explique par exemple à son fils César que son « je » n’existe plus et se confond à présent en un « nous » absolu. Mais c’est aussi et avant tout, un père de famille qui entend défendre à tout prix ses enfants contre les dangers extérieurs, et qui s’autorise à les utiliser comme outils de stabilité politique et diplomatique.

La famiglia

Et c’est là une très bonne idée de Neil Jordan : avoir fait de Rodrigo Borgia le parrain d’une famiglia espagnole sur une terre inhospitalière, le Vatican. On retrouve ici l’un des thèmes qui faisaient l’intérêt des Soprano, famille d’émigrés italiens installée dans le New Jersey qui illustrait les difficultés de grandir et de trouver sa place dans la mafia quand on est issu de deux cultures…

La famille du pape Alexandre VI/Rodrigo Borgia, ce sont ses quatre enfants, qui ont des rôles bien définis. César, le fils aîné (joué par François Arnaud, vu dans J’ai tué ma mère de Xavier Dolan), ecclésiastique comme son père et bientôt nommé cardinal contre sa volonté, s’épanouit dans le complot. Avec son bras droit Micheletto (l’effrayant Sean Harris), il fait assassiner tous ceux qui pourraient mettre en péril les ambitions de son père et la sécurité des siens. Juan (David Oakes, le monstrueux William Hamleigh dans Les Piliers de la terre) est le bras armé de son père, soldat qui préfère les bordels aux champs de bataille et qui laisse sans hésiter son frère manier l’épée à sa place. Lucrèce (Holliday Grainger), la seule fille, est âgée de 14 ans lorsque la série débute. Faussement naïve, elle sera contrainte, comme son jeune frère Joffre (Aidan Alexander), de se marier jeune pour consolider les liens diplomatiques que son père tente de nouer avec de riches familles aristocratiques.

Neil Jordan a ainsi mis en place tous les éléments d’une saga familiale dont on ne peut que reprocher l’absence d’ambiguïté des personnages, qui agissent sans trop se poser de questions et qui manquent en conséquence quelque peu d’épaisseur psychologique. Les téléspectateurs américains n’ont pas boudé leur plaisir pour si peu, et Showtime a déjà annoncé qu’elle donnait son feu vert à la production de la deuxième saison. Une série promise vraisemblablement à un bel avenir.

En attendant Borgia

Lorsque Borgia, la série créée par Tom Fontana (qui a traumatisé des générations de téléspectateurs à la fin des années 90 avec Oz) pour Canal+, sera diffusée fin 2011, nous pourrons alors comparer les deux approches. Mais une chose est d’ores et déjà certaine : la chaîne française veut sortir des murs hexagonaux pour pénétrer le marché américain. Le succès de la mini-série Carlos, écrite et réalisée par Olivier Assayas et présentée hors compétition à Cannes l’année dernière, n’est sans doute pas pour rien dans ce tournant stratégique de la chaîne décalée autoproclamée « créateur original ». Question subsidiaire : lorsque le projet a été initié, Canal+ s’attendait-elle à être devancée par une autre chaîne qui fait tout pour conquérir le marché de HBO ? L’histoire ne le dit pas (encore), mais la barre est d’emblée haut placée : il lui faut faire mieux – ou très différent et désamorcer ainsi toute tentative de comparaison.

A suivre.

Quatre éléments – le sable, l’eau, l’air, le feu – et un homme, en lévitation, dont on ne voit que la partie inférieure, de la taille aux pieds. En combinaison de plongeur, une planche de surf sous le bras, on s’attendrait plutôt à le voir sur l’eau. Mais non. Il flotte au-dessus du sable, entre le ciel et la terre. L’accroche : « something is in the air » est ainsi à prendre au sens littéral, nous renvoyant à un univers fantastique façon David Lynch, là où la frontière entre le réel et le merveilleux est ténue.

La notion de frontière est en effet omniprésente dès le générique de la série : frontière géographique, celle du Mexique ; frontière sociale, entre les riches et les pauvres ; frontière temporelle, entre le passé glorieux et le présent misérable ; frontière spirituelle enfin, entre ce qu’on voit et ce qu’on croit. John from Cincinnati, ce jeune demeuré borderline, arrivé un jour d’on ne sait où, sans doute de la mer, se révèle (au sens presque photographique du terme) être le manipulateur, l’annonciateur, la parole. De qui ? On ne saura pas. Mais il y a ces initiales, J.C., qui sont tout de même assez intrigantes. Et ce Père, dont il n’arrête pas de parler.

Kem Nunn et David Milch ont créé un objet télévisuel improbable qui n’a pas rencontré son public, que la critique n’a pas vraiment apprécié, mais que certains fans considèrent comme une série culte honteusement stoppée dès le 10^e épisode de la saison 1. Les nombreuses questions resteront sans réponse, et ce n’est peut-être pas plus mal. A y bien regarder, les deux jambes de l’affiche s’entrouvrent comme une porte qui donnerait sur l’infini. Le soleil, lui, pourrait finir par nous brûler les rétines.

Série diffusée en 2007, avec Rebecca de Mornay, Greyson Fletcher, Willie Garson, Bruce Greenwood, Ed O’Neill, Luke Perry, Brian Van Holt, Austin Nichols…

Même acteur masculin, Ricardo Darin, même nationalité, mais ambiances, réalisateurs et distributeurs français différents.

Carancho : le visage de l’homme est baissé de telle sorte qu’on a l’impression que la femme qu’il enlace est sa proie, ce qui renvoie au titre du film. Le carancho est en effet une sorte de rapace, et désigne dans le film un avocat véreux qui arnaque les assurances sur le dos de victimes d’accidents de la route. La femme est désignée comme la victime, yeux fermés, traces de sang sur la joue, sous le poids de l’homme. Mais l’enlacement est ambigu et si le fond noir renforce la connotation , les deux personnages semblent éprouver de l’affection (pour ne pas dire de l’amour) l’un pour l’autre. Couple de victimes ? de bourreaux ? Bonnie and Clyde argentins ?…

Dans ses yeux : Les deux personnages sont de profil et se font face. La femme semble dominer l’homme, leur relation est floue. Amis, amants, mari et femme ? Leurs yeux fermés renvoient au titre : Dans ses yeux, dont le bleu des deux premiers mots entre en résonance avec le fond aux lumières diffractées. Comédie romantique ? Oui, certes, mais il y a l’accroche, qui aide à comprendre : « Buenos Aires, 1974. Une enquête à résoudre. Une histoire à écrire ». Film historique donc, et polar, avec en toile de fond une histoire d’amour, et la dictature militaire.

Les variations sur le couple (Adam et Ève, Bonnie and Clyde, etc) ont encore de beaux jours devant elles pour la promotion des films…

Carancho, film de Pablo Trapero, avec Ricardo Darin et Martina Gusman, distribué par Ad Vitam.

Dans ses yeux, film de Juan José Campanella, avec Ricardo Darin et Soledad Villamil, distribué par Pretty Pictures.

Les très bonnes surprises

Incendies, de Denis Villeneuve

Women Are Heroes, de JR

Les bonnes surprises

Shahada, de Burhan Qurbani

I Wish I Knew, de Jia Zhang-ke

Poupoupidou, de Gérald Hustache-Mathieu

Au-delà, de Clint Eastwood (malgré une affiche assez laide et une BA ratée…)

Fortapàsc, de Marco Risi

Les curiosités

Je suis un no man’s land, de Thierry Jousse

La BM du Seigneur, de Jean-Charles Hue

Que voit-on ? Un couple assis sur un toit, photographié en plan serré, entouré de cheminées new yorkaises. La photo est en noir et blanc, centrée sur son sujet, cet homme et cette femme qui s’enlacent. Ils sont saisis sur le vif, l’homme regarde à gauche, la femme a les yeux perdus dans le vide. On dirait une photo volée, au format Polaroïd très en vogue au début des années 70. Jerry a débuté sa carrière comme photographe, ceci explique peut-être cela. Il se sent également proche de l’univers photographique d’André Kertész, ceci explique peut-être cette présence envahissante de cheminées, motif mystique qu’affectionnait particulièrement le photographe émigré aux États-Unis.

Le noir et blanc de la photo renforce l’impression de réalisme d’une scène inhabituelle. Le titre, en blanc, sans majuscule, intermédiaire entre le cadre et le sujet de la photo, donne un élément d’explication : sur le lieu, Needle Park, surnom d’un quartier de New York connu à l’époque pour son trafic de drogue ; sur l’émotion qui a saisi les personnages, la panique. Sur les raisons, en revanche : aucune indication (il faudra voir le film pour les comprendre). Sur les conséquences : cette attente sur un toit ?

La panique est exprimée de façon forte par l’accroche de l’affiche, en haut : « Pourvu que Bobby et Helen s’en sortent… Leur amour est né dans l’enfer de Needle Park ». Le spectateur est prié de se joindre au souhait de voir le couple s’en sortir. De quoi ? Là encore, mystère. Mais il s’agit d’amour, et d’enfer. D’Adam et Ève, entre l’enfer des rues de la Grosse Pomme (surnom ici bienvenu de New York), et le paradis vers quoi ils tendent en se lovant ainsi sur un toit ?

Le cadre se compose de deux couleurs, qui ont pour fonction première d’attirer l’attention du spectateur, de l’inciter à lire les indications et à s’interroger sur le film : le rouge en bas, le jaune en haut.

/rouge/=<le feu> et <le sang>, représentation de l’enfer en bas, et de la drogue qu’on s’injecte dans les veines.

/jaune/=<couleur de l’infamie> mais aussi <couleur du soleil>. Au choix : la trahison, comme nœud de l’intrigue, ou l’espoir d’un hypothétique paradis que le couple ne peut que fantasmer. Avec la cheminée comme lien entre le bas et le haut, la terre et le ciel – tout ce qui est hors-champ.

L’affiche joue ainsi clairement sur le suspense induit par le rapport entre le titre, la photo et l’accroche ; elle convoque le mythe d’Adam et Ève, source inépuisable d’histoires et d’images depuis la nuit des temps bibliques ; elle laisse enfin le spectateur libre d’imaginer ce qu’il ne voit pas dans l’image, ce qui devrait l’inciter à pousser les portes de la salle de cinéma – ou à acheter le DVD.

Reste une question : pourquoi avoir choisi un titre aussi connoté  ? Sans doute parce que la panique qui s’empare des protagonistes lorsqu’il y a pénurie de drogue dans le quartier de Needle Park est digne d’un film noir.

Film de Jerry Schatzberg (1971), avec Al Pacino et Kitty Winn, distribué en France par Action Cinémas.

Au centre de l’affiche, il y a cette femme, à terre, prostrée. En arrière plan, la carcasse d’un bus qui brûle. La femme s’est vraisemblablement extraite du véhicule en feu, mais elle est seule. Aucun autre passager. Aucun autre survivant ? La fumée qui monte vers le ciel est, elle, épaisse et menaçante, présage d’autres incendies annoncés par le pluriel du titre. La fumée, surtout, se situe dans le prolongement parfait de la tête de cette femme assise, comme si elle en sortait, pour se diriger vers la gauche de l’image, le passé, le souvenir.

Incendies est avant tout un film sur la mémoire et le passé. Le passé qu’une survivante de la guerre, de la prison, de la torture veut occulter mais qui surgit longtemps après les événements, brutalement, jusqu’à la tuer. La mémoire que ses enfants vont tenter de retrouver au cours d’un voyage au Moyen Orient, sur les traces de son passé, et du leur. Car, comme l’affirmait Serge Daney, à la base de toute fiction il y a « la remontée jusqu’aux nœuds de la filiation ». Et les parents, dont bien souvent les enfants ne savent rien, ne facilitent pas la tâche. Le silence est ici rompu par la mère, mais à sa mort seulement, dans les lettres qu’elle adresse à ses enfants pour leur demander de retrouver leur père et surtout leur frère dont ils ne soupçonnaient pas l’existence. Un ultime message en forme d’énigme qui va plonger les personnages et le spectateur dans l’horreur. Et cette mise en garde (reprise de la pièce de Wadji Mouawad dont est tiré le film) : “l’enfance est un couteau planté dans la gorge. On ne le retire pas facilement”.

Incendies est une tragédie grecque qui fait éclater des étincelles et attend que le feu se déclare puis observe le paysage et les esprits s’embraser. Il fallait bien, pour illustrer l’œuvre remarquable de Denis Villeneuve, la scène qui fait basculer le film dans le chaos de la guerre et des esprits.

Film de Denis Villeneuve, adapté de la pièce éponyme de Wadji Mouawad, avec Lubna Azabal, Mélissa Désormeaux-Poulin, Maxim Gaudette, Rémy Girard, Abdelghafour Elaaziz. Distribué par Happiness.

P.S. : L’une des trois affiches des Amours imaginaires, de Xavier Dolan (2010), était également entièrement rouge.

La couleur signifiait ici quelque chose de très différent (à ranger du côté de l’expression des sentiments), mais il est intéressant de noter que les deux films sont canadiens, et que l’utilisation d’une affiche monochrome n’est pas si fréquente. L’affiche de Blow Up, de Michelangelo Antonioni, film sorti en 1967, est un autre exemple marquant :

Dans tous les cas, l’affiche monochrome cherche à impressionner le spectateur pour l’attirer dans l’arène/la salle de cinéma. Et réveiller sa pulsion scopique animale ?…

La métaphore visuelle n’est pas originale, mais elle est forte. Le journalisme réduit au silence, c’est la liberté d’expression dans son ensemble qu’on bâillonne. Le bandeau arraché sur l’affiche a permis d’inscrire un texte explicatif, et les traces de sang visibles sous le titre du quotidien Il Mattino renvoient à la couleur rouge du titre : FORTAPÀSC (prononcer Fort Apache), cette ville d’un far west de cinéma, sans foi ni loi, sinon celle du plus fort.

Le film, lui, se situe dans les années 80, mais parle de l’Italie d’aujourd’hui, celle d’un Berlusconi à la fortune suspecte et aux amis douteux, maître d’une grande partie des médias transalpins.

Film de Marco Risi, avec Libero de Rienzo, Ernesto Mahieux, Salvatore Cantalupo… Distribué par Bellissima Films.

Certains jugeront le film indécent, d’autres se demanderont ce que la réalisatrice a encore à dire. Son film est en effet nombriliste, il ne s’intéresse qu’à ses deux personnages, elle ne s’en cache pas.  Une escapade en Italie, à l’occasion d’une remise de prix vulgaire à la télévision, suggérera pourtant que le problème du monde, c’est bien peut-être la consommation d’images formatées en provenance des États-Unis. Le père et la fille mangent des glaces la nuit dans le lit de leur suite devant une retransmission d’un épisode de Friends doublé en italien. Les images sont des produits qu’on exporte et qui finissent par uniformiser les références. Et la culture américaine selon Sofia Coppola n’est pas très appétissante.

Affiches

Les affiches des quatre films de Sofia Coppola frappent par leur cohérence. Celles de Somewhere et de Lost in Translation se répondent : deux transats pour la première, un lit pour la deuxième, deux personnes allongées sous le soleil pour la première, un homme assis face à l’objectif pour la deuxième, le jour et la nuit.

Les affiches de Virgin Suicides et de Marie-Antoinette se répondent également : gros plan sur un visage de femme qui regarde l’objectif, allongée pour la première, debout pour la deuxième.

Dans tous les cas : un enfermement dans l’image (le gros plan/le mur de plantes/la vitre de la chambre d’hôtel) et dans un espace. Car les lieux sont essentiels pour Sofia Coppola :  Tokyo vs Los Angles, une petite ville américaine vs Versailles. Des lieux dans lesquels on circule, à pied ou en voiture, mais qui sont fermés sur eux-mêmes, qui construisent une bulle dont les personnages ont du mal à s’extraire. Les personnages sont “somewhere”, quelque part, et bien souvent perdus. Marie-Antoine en perdra la tête ;  Johnny Marco parviendra, lui, à en sortir en abandonnant sa Ferrari sur le bord d’une route. On est riche et célèbre, ou on ne l’est pas…

Somewhere, de Sofia Coppola (2010), avec Stephen Dorff et Elle Fanning, distribué par Pathé Distribution. Lion d’Or de la Mostra de Venise 2010.

Et voilà qu’un des premiers films sorti en 2011 sur les écrans français traite de la révolte et de la victoire, en 2000, des habitants de Cochabamba, troisième ville de Bolivie, contre la privatisation de l’eau.

Même la pluie, d’Icíar Bollaín, est un feuilleté construit sur quatre niveaux qui se superposent et s’entremêlent pour illustrer l’importance du passé dans la compréhension du présent. Au premier niveau, une équipe de cinéma, menée par Sebastian (Gael García Bernal), le réalisateur, et Costa (Luis Tosar), le producteur, prépare le tournage d’un film sur la conquête de l’Amérique du Sud au XVIe siècle, l’asservissement des Indiens, leur révolte et l’oppression qui a suivi.  Le deuxième niveau est constitué des images du film. Le point de vue adopté par Sebastian est clairement celui des Indiens, le cinéaste voulant faire de son film une œuvre engagée. Au troisième niveau, c’est l’actualité de 2000 et la révolte des habitants de la ville, Indiens qui refusent la privatisation de l’eau en Bolivie et l’augmentation des prix exigée par la multinationale à laquelle l’élément vital a été vendu. Cette révolte vient perturber le tournage du film, au grand désespoir de l’équipe dont l’engagement n’est semble-t-il que cinématographique. Le dernier niveau, enfin, est le film diffusé dans les salles, orchestration de ces strates qui se percutent, se répondent, et bâtissent intelligemment la fiction.

Le constat de la réalisatrice et de son scénariste, Paul Laverty (scénariste de Ken Loach), est double :

- La révolte est nécessaire et peut faire plier les grands de la globalisation, dans une société hiérarchisée qui n’est pas très différente de celle du XVIe siècle – avec les instances internationales (type FMI) et les multinationales au sommet, à la place du Roi ; les autorités locales à la place des conquistadores ; et les habitants à la place des Indiens exploités ;

- Le cinéma est impuissant à se saisir de l’actualité, rôle qu’il délègue à la télévision. Ses fonctions sont autres : provoquer l’émotion, l’empathie, la réflexion, et surtout raconter des histoires inspirées ou non de faits réels.

Le choix de l’affiche est alors difficile à comprendre. Construite sur l’opposition entre le haut et le bas, elle propose une lecture religieuse d’un film plutôt de gauche dont les personnages de religieux ne sont là que comme figures historiques.

En haut, une photo-montage qui présente les deux acteurs principaux, chacun dans leur coin et regardant hors champ dans deux directions opposées. Derrière eux, au centre, des montagnes dont les pieds sont perdus dans le brouillard. Faut-il mettre cette apologie visuelle du héros sur le compte du statut (relatif) de stars des deux acteurs ? Que lit-on réellement ? De l’inquiétude dans leurs yeux (un film d’action, de suspense ?), de la domination dans leur posture, et un décor qui fait penser au mont Olympe, la demeure des Dieux grecs perdue dans les nuages… Notons surtout que Daniel/Hatuey (Juan Carlos Aduviri), l’Indien meneur des révoltes au XVIe siècle et au XXIe siècle, est le grand absent de l’affiche alors qu’il est une figure centrale du film et seul vrai lien entre les différents niveaux.

Hatuey (Juan Carlos Aduviri)

La phrase lisible entre les deux héros, “changer le monde / commence par / changer soi-même” est, quant à elle, particulièrement ambiguë. Le film relatera-t-il un combat personnel ? une quête mystique ? La révolte collective n’est jamais mentionnée, alors même qu’elle forme le nœud narratif autour duquel se construisent les différents rameaux de l’histoire

En bas, un hélicoptère porte une croix. Ou comment la modernité soutient la tradition, et le présent est habité par le passé. Mais il s’agit visuellement d’une croix catholique qui monte au ciel, sur fond de masse nuageuse éclairée par une lumière quasi divine qui éblouit le centre de l’image. Tout en bas, on devine l’ombre d’une forêt, l’habitation des hommes plongée dans l’obscurité – l’enfer ?

Les dichotomies “ciel vs terre”, “dieux vs hommes”, “paradis vs enfer” servent ainsi de support promotionnel à un film dont le discours est construit au contraire sur l’opposition “grands vs petits”, “local vs global”, “cynisme vs empathie”, “cinéma vs télévision”, “fiction vs actualité”. De là à y voir une erreur de marketing…

Quant au bandeau du titre, il renforce la frontière entre haut et bas, et joue sur le noir du fond vs le blanc de la police de caractères. Indignation résignée ? Cri de révolte ? Extrait du dialogue, le titre répond linguistiquement aux nuages présents en bas comme en haut de l’affiche, liaison entre la terre et le ciel, et métaphore in absentia des larmes qui ne manqueront pas de couler dans la toute dernière partie du film.

Un film intéressant, donc, mais une campagne d’affichage étrange qui suggère au spectateur potentiel une lecture religieuse absente de l’œuvre.

Film français, mexicain, espagnol, d’Icíar Bollaín (2010), distribué par Haut et Court.

Le couple mettait à mal le cliché “femme nue, fragile et docile vs homme habillé, protecteur et dominateur”.  John Lennon, les yeux fermés, à l’abandon, s’accrochait à la femme aux cheveux menaçants en un geste d’amour total.

25 ans plus tard, à l’occasion de la sortie de Tu marcheras sur l’eau, Eytan Fox, le réalisateur, et Lior Ashkenazi, son acteur principal, posaient ensemble pour une photo-hommage :

Rapports de soumission et de protection, mais cette fois de l’acteur (nu) au réalisateur (habillé). Lior Ashkenazi, dans un jeu de séduction et de doute, recherche, pour s’y soumettre, le regard du cinéaste qui, lui, fixe l’objectif de l’appareil photo. La photo-portrait d’un couple mythique de la musique est devenue allégorie osée du rapport entre l’acteur et son metteur en image.